Рисунок одним цветом – Как рисовать одним цветом — YouLoveIt.ru

Содержание

как нарисовать картину одним цветом

Приветствую всех!

Этот урок посвящен монохромной живописи. Сегодня мы напишем картину с использованием всего лишь одного цвета — синего. Различные тоновые градации этого цвета будут помогать нам писать тени и освещенные участки.

Мы будем придавать объектам объем и определенную форму с помощью того, что будем показывать свет и тень. Цвет этих объектов- игнорируем.

Для примера в своей работе я взяла фотографию, на которой изображен восточный пейзаж, горы необыкновенной формы, река, и плот с рыбаком.

Материалы для урока монохромной живописи:

Краски:

  • голубая ФЦ;
  • белила;
  • небесно голубой;
  • кобальт синий;
  • бирюзу;
  • кобальт фиолетовый.

Приступаем к работе

Фон

Первоначальный этап нашей работы — нанесение фоновой краски. Для фона берем смесь синей ФЦ с белилами, добавляем достаточно много разбавителя. Краску хорошенько растираем флейцевой кистью, что бы не осталось мазков, следов от работы с более мелкой кистью.

Намечаем линию горизонта. В моем случае, она располагается по середине холста.

Такое расположение не случайно, я хочу, что бы зритель, чувствовал себя еще и наблюдателем за той картиной, которая изображена на холсте. Для наблюдателя-созерцателя линия горизонта чаще всего располагается по центру, и объект на котором заострено внимание, также находится в центре. В нашем случае, в центре холста, на месте пересечения диагоналей, именно там намечен наш главный герой — рыбак (точнее его голова).

Горы

После того,  как наметили линию горизонта мелкими макательными мазками пишем горы вдали — более светлым оттенком синего цвета. Гору, которая располагается немного ближе пишем уже более темным синим. Далее отмечаем рельеф этих гор, то что они сплошь покрыты какой-то растительностью, имеют выступы и впадины. Для этого в некоторых местах добавляем более темных мазков, или наоборот, светлых оттенков — голубой с белилами.

Вода

Тон воды по бокам холста делаем более насыщенным и темным. Флейцевой кистью наносим несколько незаметных мазков синей ФЦ, можно добавить и капельку кобальта фиолетового.

Отражение

Намечаем отражение пейзажа в спокойной воде. Переносим горя, темные кусты и деревья у линии горизонта, как в зеркальном отображении, стараемся максимально соблюдать форму, цвет и тон этих объектов.

Чтобы речная гладь была более убедительной, прозрачной и напоминала воду, поверх наносим несколько спокойных волн.

Для этого берем в руки мастихин, макаем одно его ребро в жидкий раствор голубой с белилами и проводим несколько легких, слегка зигзагообразных горизонтальных мазков. После этого приема, вода действительно стала прозрачной, спокойной, мокрой и убедительной.

Рыбак в лодке

Дальше пишем нашего главного героя на лодке. Намечаем тонкой кистью не густой синей краской форму лодки. По-сути, это не лодка, а плот, на котором стоит рыбак.

В руках он держит длинный шест — который выполняет функцию весла. Возле рыбака стоит огромная посудина, похожая на миску или большую корзину. По видимому, она предназначена для сбора улова. На улице достаточно темно — сумерки, и путь нашему герою освещает фонарь закрепленный над плотом.

Все эти объекты: фигурку нашего героя, шляпу на его голове, плот слегка изогнутой формы, весло, миску и тень от нее, арку на которой весит фонарь — все это мы пишем тонкой кистью разными оттенками синего цвета.

Фонарь

В этой, достаточно холодной, «синей» среде нам нужно показать яркий свет фонарика, который закреплен над лодкой. В такой ситуации это сделать очень просто, мы немножечко стираем фоновый синий цвет, на том месте где должен засветиться фонарик. Там же наносим несколько мазков белилами с очень маленькой примесью кадмия лимонного. Таким образом получаем очень яркий светящийся фонарик.

Если бы мы проделали этот же пример на каком-либо колористическом полотне, или на картине выполненной в теплых тонах, эффект был бы намного хуже, вполне возможно, что яркий свет фонарика совсем затерялся в его окружении.

Если вы хотите показать очень яркий свет, создайте для него подходящую «темноту», в которой он сможет засверкать.

На этом этапе картину можно считать законченной, она вполне хорошо смотрится, но мне хочется ее еще немножко дописать, уточнить некоторые детали…

Вот и все…

Примеры монохромных картин

Смотрите примеры монохромных картин написанных в разные эпохи разными мастерами. И обязательно попробуйте эту технику.

Японская монохромная живопись

Вьетнамский художник Ву Цун Дьен

Монохромная роспись стен

Винсент Ван Гог монохромная живопись

И.Н. Крамской, монохромная живопись

Монохромная живопись. Видеоурок

 Желаю всем удачи и вдохновения!

Рекомендуем публикации

  1. Пишем копию картины Винсента Ван Гога «Звездная ночь»
  2. Масляная живопись: пейзаж «Парусная регата»
  3. Пейзаж «Закат над морем»: пишем мастихином без разбавителей
  4. Пишем зимний пейзаж «Оттепель»
  5. Живопись пальцами: рисуем рыбок кои изучаем технику Айрис Скотт
  6. Как рисовать пейзаж: ночной город масляными красками
Загрузка…

artrecept.com

Синими, жёлтыми, красными: 8 советов о том, как рисовать цветными карандашами


Олеся Ахмеджанова

Цветные карандаши — универсальный инструмент, которым могут рисовать все. Они не требуют особых навыков и идеальны для первых зарисовок. Выбрали 8 советов из книги «Дневник художника-натуралиста» — попробуйте создать свою первую картину прямо сейчас.

1. Смешивайте цвета штрихованием

Цвета карандашей редко соответствуют нужному оттенку. Огромный набор не выход: его тяжело и неудобно носить, а поиск нужного цвета отнимает много времени. Лучше купите средний набор и научитесь составлять цвета. Основные цвета — небесно-голубой, желтый и маджента. Из них можно получить другие оттенки.


Дневник художника-натуралиста

Обычно цвет карандаша интенсивный и насыщенный. В природе тона более приглушенные. Поэтому еще один плюс смешивания — возможность приглушить чистые цвета до природных оттенков. 

2. Как штриховать слоями

Чтобы научиться штриховать слоями, нужно учитывать два момента. Во-первых, выбирайте слегка зернистую бумагу. Не давите на карандаш слишком сильно, иначе бумага отполируется и пигмент не удержится на ней.

Во-вторых, черный карандаш для тени выглядит неестественно — она кажется «приклеенной». Поэтому используйте дополнительные цвета для теней. Их пары лежат на круге друг напротив друга:

  • маджента и зеленый,
  • голубой и оранжево-красный,
  • желтый и фиолетово-синий.

Используйте цветовой круг, чтобы определять цвета для теней

Сочетание цвета объекта с дополнительным дает приглушенную коричневую или серую тень. Вот пример, как использовать оттенки для изображения тени.

1. Начните рисунок оранжевого шара с тени дополнительным цветом — синим.

2. Поверх тени положите слой темно-оранжевого.

3. Добавьте другие цвета: желтые, красные и зеленые. Рисунок будет светиться проблесками разных оттенков.

3. Выбирайте подходящую технику штриха

Именно техника штриха влияет на результат и скорость выполнения рисунка. Выбирайте подходящий вариант для желаемого эффекта.

  • Мелкие, легкие, округлые штрихи идеальны для ровного покрытия и максимального контроля. Грифель меньше крошится, цвета проще смешиваются. Требует усидчивости, но под настроение очень расслабляет.

  • Каракули — быстрая и интересная техника, но не такая точная. Чем мельче каракули, тем точнее результат. Текстура будет видна на законченном рисунке.

  • Линии — серии параллельных линий. Тоже быстрая техника. Линии рисуйте под углом, удобным для руки. Контролируйте нажим и не увеличивайте его в конце штриха, иначе останутся полосы.

  • Перекрестный штрих — серии пересекающихся линий. Чем больше слоев, тем глаже текстура: следующие слои скрывают неровности предыдущих. Перекрестные штрихи можно класть тем же цветом для углубления тона или другим, если хотите изменить оттенок.

4. Как быстро и легко рисовать тени

Тени придают изображению объем и глубину. Не забывайте о них и не оставляйте на потом. Помните, что в конце добавить тени сложнее: жалко перекрывать тщательно смешанные цвета, а бумага уже почти полностью отполирована. Сначала рисуйте тени, затем к ним подбирайте локальный цвет.

  • Оттенок для теней. Большинство теней можно нарисовать карандашом цвета Black Grape. Это приглушенный фиолетовый, он дает убедительные тени в сочетании с большинством других цветов.
  • Жёлтые оттенки. Сложнее всего рисовать тени на желтых объектах. Если в цвете тени есть хоть намек на голубой, она сразу становится зеленой. «Выручалочка» — цвет Greyed Lavender. Его бледный фиолетовый оттенок при смешении с желтым дает приятный нейтральный коричневый или серый.

5. Как перейти к черному

Если рисовать тени или фон только черным, картина выглядит плоской. Оживите тени дополнительными цветами, а черные области рисунка — темными карандашами. Какими? Синий индиго (Indigo Blue), темный зеленый (Dark Green) и тосканский красный (Tuscan Red)

в сочетании дают насыщенный черный с проблесками изначальных цветов. Можно начать со слоя черным карандашом и добавить один или несколько из этих цветов.

6. Зачем нужно тиснение бумаги

Итак, вы рисуете зеленый лист, и вам нужно получить тонкие светлые линии на темном фоне. Как это сделать?

  • Белые линии. Продавите бумагу тонким тупым инструментом (его можно сделать самим из тонкой шариковой ручки с высохшими чернилами) — и линии останутся белыми на фоне слоя цветного карандаша. Он должен быть тупым, чтобы грифель не задевал тиснение.
  • Цветные линии. Если хотите получить тонкие цветные линии, сначала нанесите цвет, потом сделайте тиснение и сверху положите другой цвет.

7. Используйте растворитель без запаха для растушевки

Чаще всего на рисунках видны мелкие участки бумаги. Избавиться от них, растушевать штрихи и сделать цвет ярче поможет растворитель без запаха (уайт-спирит). Это обычный бензиновый растворитель, из которого удалили вредные летучие вещества.

Нанесите его поверх однородных, близких штрихов. Для удобства залейте в кисть с резервуаром и размазывайте по рисунку ватной палочкой/диском или растушевкой. Когда бумага высохнет, можно продолжать рисовать: фактура полностью сохраняется. Растворитель без запаха можно применять в сочетании с бесцветным карандашом — блендером.

8. Бесцветный блендер — тоже для растушевки

Еще один хороший инструмент для растушевки — блендер. Как его использовать? Круговыми движениями потрите рисунок. Цвета смешаются, пробелы исчезнут, бумага отполируется. Цветной слой станет однородным и ярким. Но он подходит только для штрихов, которые расположены близко.

По материалам книги «Дневник художника-натуралиста»
Обложка поста unsplash

blog.mann-ivanov-ferber.ru

Теория цвета и техника рисунка в Фотошоп

В процессе рисования необходимо помнить о множестве вещей: слои, экспозиция/освещение, тени, блики, поверхности, материалы, текстуры, прозрачность, отражения, композиция, температура цвета и так далее.

Лук (Думать Слоями)

Прежде чем взять в руки кисть (или же перо планшета), необходимо задуматься о нескольких вещах. Ну, на самом деле, сидеть и размышлять о них не нужно, все это должно происходить на автомате.

  • Почувствуйте объем и углы формы.
  • Откуда падает свет?
  • Постарайтесь понять, будут ли какие-либо падающие тени.
  • Должен ли быть отраженный свет на поверхностях?
  • Какой общий цвет будет у сцены? (как бы свет, который отражается отовсюду).
  • Наличие зеркальных поверхностей. Может быть, поверхность блестящая/влажная, и при этом расположена так, что отражает источник света (скажем, небо)?
  • Уровень экспозиции. Может, света настолько много, что сцена более, чем белая? А может, настолько темно, что даже самая яркая точка скрылась в темноте?
  • Присутствует ли туман или дымка?
  • Текстура поверхностей.

Обратите внимание, что большинство из этих пунктов применимы к реалистичному стилю. Стиль мазка кисти должен быть подобран так, чтобы он не нарушал стилистической и цветовой гармонии изображения. Также, возможно вы выберите такой стиль, который исключает определенные цвета или текстуры, сосредотачиваясь на других вещах. Тем не менее, даже в мультяшной иллюстрации присутствуют упрощенные элементы реализма. Не пытайтесь спрятаться под «это не мой стиль, так что я не буду в этом разбираться».

Про Свет

Фактически, свет есть только один, и он просто отражается. Вы можете увидеть свет (то есть фотон) только в том случае, если он попадает на сетчатку глаза. Когда свет касается поверхности, он делает две важных вещи: во-первых, какая-то его часть поглощается — так рождаются цвета. Красное яблоко отражает по большей части, условно говоря, красные длины волн, остальные поглощаются, превращаясь в тепло или что-то вроде того. Поэтому черные предметы нагреваются на солнце. В любом случае, свет всегда отражается от разных поверхностей по-разному. Если поверхность неровная, он отражается как бы случайным образом, как теннисный мяч, который ударяется о каменистую террасу. Если поверхность гладкая, то угол отражения света можно предугадать. Зеркало, например, очень гладкое, так что свет отражается от него, не искажаясь, и мы, соответственно, можем увидеть наше отражение.

Обратите внимание, что все поверхности отражают свет, просто отражение от матовых или неровных поверхностей не будет таким ярким.

В зависимости от того, где находится глаз/наблюдатель, он может увидеть свет и точки его отражения на закругленной поверхности, как, например, на изображении выше, по-разному. Скажем, лужа не является таковой (разве что ее края из-за поверхностного натяжения), и поэтому, наблюдая с определенного угла, вы увидите лишь блестящее отражение. Точечное отражение возникает только там, где есть точечный источник света, как, к примеру, солнце, лампочка, или маленькое окошко.

Фото 1. Отражения, хоть и слабые, присутствуют и на одежде. Я растянул рукав своей майки двумя пальцами, чтобы получить плоскую поверхность между двумя помеченными точками (я двигал камеру, не рукав).

Вокруг нас существует великое множество предметов, от которых может отражаться свет, так что практически все более или менее освещено. Например, небо — это источник голубого света в форме купола. А еще есть земля, стены и другие поверхности. В космосе, по большому счету, есть только один источник света — это солнце. Однако, если вы посмотрите очень внимательно, вы сможете разглядеть свет, очень слабый свет, исходящий от Земли на темной стороне Луны. Ну и еще есть звездный свет, который, я думаю, еще слабее.

Когда свет падает на поверхность и отражается от нее, он меняет свой цвет. Если он попадет на другую поверхность того же цвета, что и поверхность, от которой он только что отразился, то цвет этой другой поверхности будет выглядеть еще более насыщенным.

(Цвет все равно слишком рыжий для кожи)

Экспозиция

Солнечный свет намного ярче, чем свет неба, который ярче, чем свет в помещении. Спустя какое-то время наши глаза приспосабливаются к таким переменам, а также же мы можем адаптироваться к освещению, прищурившись или сфокусировавшись на предмете. Мы делаем это на автомате, поэтому тот факт, что наше зрение имеет своего рода ограничения, не так очевиден. Эту ограниченность мы можем увидеть, снимая на фотоаппарат. Если вы сделаете снимок в помещении, то окна будут переэкспонированными (яркими). В таком случае, вы можете попробовать скорректировать уровень экспозиции, но тогда то, что в комнате, будет недоэкспонировано. Это может стать преимуществом. Например, если вы расположите персонажа на дальнем плане рисунка, там, где темнее, то его силуэт будет здорово выделяться относительно хорошо освещенной комнаты.

Материалы

Привожу примеры различных материалов, и как я с ними работаю.

  • Одежда — почти нет точек отражения, только свет и тень. Если ткань очень тонкая, то свет может проходить через нее, создавая некое рассеивание.
  • Кожа — иногда может блестеть, и, следовательно, иметь точки отражения. А, и еще — не делайте ее слишком насыщенной.
  • Деревья и древесина — матовые; также, не слишком насыщенные (что-то вроде серого/коричневого/охры).
  • Камень — немного схож с тканью. Поверхность зачастую слишком шероховатая (как на микро, так и на макроуровнях), чтобы иметь точки отражения.
  • Пластик — кажется, что точки отражения и отраженный свет окрашиваются в цвет пластика. Также, пластик может быть полупрозрачным.
  • Золото — золото не оранжевое. Я использую черный, затем ненасыщенный оранжевый с зеленоватым оттенком, и далее, желтый и белый, чтобы его нарисовать.
  • Серебро — более или менее похоже на зеркало.
  • Металл — если я рисую доспехи, то слегка усиливаю яркость, однако не слишком для средних тонов.
  • Начищенный металл — это что-то между серой и серебряной поверхностями.
  • Стекло — чаще всего просто прозрачное с искажением. Точки отражения зачастую белого цвета и появляются внезапно. В случае с окнами, вы, возможно, замечали, что увидеть то, что внутри легче, если на него падает тень, так как яркие отражения затмевают то, что находится за стеклом.
  • Влажные предметы — много точек отражения, могут стать прозрачными (одежда, например), а камни станут более насыщенными, с более четкими деталями.

Примечание переводчика: на скриншоте изображена схема перехода от тени к свету в различных материалах: 1) плоская «глина» — плавный переход 2) «пластик» — более резкий скачок от тени к свету 3) «металл» — очень резкий подъем от тени к свету

Тени

Тени — достаточно плоские и в целом менее насыщенные, чем освещенная сторона. Окружающий свет проще всего заметить в тенях. С увеличением расстояния тени становятся более размытыми, это явление называется дифракцией.

Примечание переводчика: на скриншоте (нумерация сверху, слева направо): ТЕНИ 1) Нет теней 2) Плоские тени 3) Яркий свет, переэспонирование 4) На основание цилиндра падает свет, отраженный от земли; дифракция (преувеличенная) 5) Плоские тени; (ниже) тени не накладываются друг на друга (т. е. не умножаются)!

Тени не умножаются при наличии только ОДНОГО источника света.

Цвет кожи

Учитывайте окружение. Свет ярче снаружи, а также снаружи цвет кожи кажется менее насыщенным из-за голубого окружающего света неба и его голубых отражений. Иногда тон кожи даже изменяется в сторону фиолетового по этой причине. Особенно правдиво это утверждение, если человек стоит в тени.

Внутри (где нет окон, только лампочки) свет теплее, и тон кожи приобретает больше красных и оранжевых подтонов.

Цвет кожи в тени иногда может измениться в сторону зеленого, особенно если в комнате есть что-то зеленого цвета (обои, растения, мебель…).

В белой комнате или ванной тон кожи будет казаться достаточно бледным, приближенным к цветам окружения, а также меньше контраста будет между светом и тенью, из-за большого количества окружающего света.

В комнате, где есть только один яркий источник света тени, скорее всего, будут почти черными.

…из всего этого следует, что тон кожи вашего персонажа, свет и тени на ней будут напрямую зависеть от того, где он находится.

Оттенки

На человеческом теле вы можете обнаружить множество различных оттенков. Например, части тела, закрытые одеждой, загорают меньше. Области лобка, тазобедренной кости и грудной клетки достаточно бледны. Плечи и предплечья зачастую загорают сильнее. Однако, обратная сторона предплечья в большинстве случаев будет бледнее. На коленях и локтях кожа немного темнее. На лице также вы можете обнаружить множество оттенков, как, например, розовые щеки, а у мужчин челюсть может быть серой или почти зеленой из-за щетины. Наилучший способ разобраться с оттенками человеческого тела — это, конечно, провести исследования. Не забывайте, что животные, монстры и предметы также обладают множеством оттенков. Если вы будете изображать все одним тоном с одинаковой насыщенностью, выйдет достаточно скучно.

Некоторые оттенки возникают из-за окружающего и отраженного света. Плечи и другие «торчащие» поверхности могут, например, приобрести голубой оттенок из-за отражения неба.

Насыщенные градиенты — градиенты между светом и тенью — это не просто цвет между цветом тени и света. Если свет и тень просто смешиваются, выглядит это очень безжизненно. Если вы взглянете на картинки, вы увидите, что градиенты на них насыщенные. Очень легко это заметить, если насыщенность убрать.

Примечание переводчика: на скриншоте: 1) Верно: насыщенность в центре; 2) Не верно: Простое смешение; 3) Скучный оттенок кожи

Подповерхностное рассеивание — яркий свет может проникать сквозь поверхности из некоторых материалов, отражаться от других поверхностей, а затем снова исчезать. Это повысит насыщенность и сделает поверхность как бы подсвеченной изнутри. В случае с кожей, мы иногда видим подобный эффект на жести переходах между светом и тенью.

Примечание переводчика: на скриншоте вы видите данный эффект: свет проникает сквозь кожу, отражается от крови, а затем от другой поверхности, что придает поверхности легкий красный оттенок. Также, на кожу попадает отраженный от неба свет, и поэтому в тени комбинация красного отраженного цвета крови и синего отраженного цвета неба может дать фиолетовый оттенок.

Фото 2. Сверху листья имеют блестящую поверхность, поэтому иногда мы можем увидеть там голубое отражение неба. Свет, проходящий сквозь лист, делает его оборотную сторону более насыщенной — такой эффект можно наблюдать в случае с, например, ушами и пальцами, которые будут казаться очень красными, если осветить их мощным источником света.

Фото 3. Подповерхностное рассеивание на кончиках пальцев. Свет на левой стороне большого пальца — это, возможно, свет, отраженный от указательного пальца.

Фото 4.  Обратите внимание, что граница света и тени появляется только при переэкспонировании. На большом пальце она не такая четкая.

Цветовая относительность

Цвета и яркость относительны. Используя различные трюки, мы можем заставить наблюдателя думать, что это другой цвет, или, например, что цвет темнее, чем есть на самом деле. Иногда выбор цвета может быть ограничен, как если вы работаете над тенями. Применяя жесткие границы света и тени, вы можете добавить большее количество деталей при лимитированном выборе цветов. А еще, использование градиентов может быть весьма полезно, чтобы изменить цвет так, что наблюдатель и не заметит.

Примечание переводчика: на скриншоте: 1) Один и тот же серый цвет 2) Оба круга выглядят черными… 3) Но теперь мы видим разницу 4) Жесткий край 5) Градиент 6) Ложно плоский; На последней иллюстрации — «ложно плоский» вы можете увидеть, что прямоугольник кажется плоским, но на деле это градиент: светлый квадрат справа того же цвета, что и левая часть «плоского» прямоугольника.

Цвета с одинаковой яркостью относительны в смысле тона. Частая ошибка — рисовать одну деталь очень насыщенной — тогда что-то рядом покажется серым, и вы, чтобы это компенсировать, увеличите насыщенность и другой детали тоже…в результате, весь рисунок получится перенасыщенным.

Примечание переводчика: на скриншоте: 1) Выглядит серым 2) Выделяется 3) Серый кажется холодным 4) Серый кажется теплым

Истинный цвет

Увлечься добавлением бликов очень легко, и из-за этого может быть сложно понять, какого цвета предмет на самом деле. Вместо этого, для придания объема добавьте теней.

Примечание переводчика: на скриншоте: 1) Неверно: истинный цвет остался только в этой области 2) Верно: плоская часть; много истинного цвета

Сделать площе и упростить

Работайте с большими кистями, дабы избежать лишних мазков. Ниже вы можете увидеть плохой пример и пример получше. На втором примере, я, на самом деле, не много чего сделал — я вообще его упростил. Это просто удивительно, что может измениться, если сделать немного площе тут и немного там. Я, конечно, потратил чуть больше времени на лицо во втором случае — плохое лицо может все испортить. Срисовано с изображения-источника.

Центры

Рисунок есть иерархия важных и менее важных деталей. Например, если вы создаете рисунок в стиле пин-ап, то фигура и силуэт в целом наиболее важны. В комиксах силуэты обводят толстыми линиями, в то время как менее важные детали обводят намного более тонкими линиями. В процессе рисования вы делаете то же самое, только при помощи мазков! Вы используете разницу в оттенке, насыщенности, яркости, переходах, четкости, деталях и композиции, чтобы привести наблюдателя к смысловому центру изображения.

Если вы рисуете везде совершенно одинаково — то рисунок получится плоским. Вы можете направить наблюдателя к наиболее важным элементам, но как только он посмотрит на них, необходимо что-то интересное, дабы его взгляд задержать, например, уместные детали. Количество деталей в одном месте должно быть пропорционально количеству времени, что наблюдатель задерживает свой взгляд на этом месте.

Примечание переводчика: на скриншоте: 1) насыщенность/цвет 2) яркость и контраст 3) направление краев 4) четкость; попытка выделить некоторые техники, которые вы можете использовать, чтобы привлечь наблюдателя.

Можете посмотреть примеры, созданный мной:

(А) Важные формы

(B) Текстура 

(С) И то, и другое 

Порой увлекаться деталями может быть очень опасно, особенно на ранней стадии, так как детали на свету и в тени могут получиться абсолютно по-разному. На второй картинке (В) я проработал все детали, чтобы показать вам, как это будет выглядеть, если вы просто набросаете детали, не думая о важных формах (А). (С) все еще выглядит немного странно, но это из-за проблем с конструкцией. Вид сбоку позволит вам добраться примерно до этого уровня, плюс, анатомия достаточно странна, и изображение сложнее считать.

А — это форма без деталей, В — это детали, и С — это и то и другое. Будьте внимательны, и не переборщите с В, форма должна читаться!

Перспектива и конструкция

Здесь не будет длинного урока на тему перспективы, вместо этого, я лишь покажу, насколько все становится проще, если вы сделаете несколько направляющих, по которым можно будет выравнивать фигуры/среду в процессе рисования.

Если вам не очень хочется рисовать окружающую среду только потому, что все эти линии перспективы очень утомляют, вы можете использовать простую двуточечную перспективу, а детали делать наугад. Это удивительно, насколько проще правильно выстраивать формы при помощи всего нескольких направляющих (по крайней мере, для меня). Направляющие не должны быть идеальными или казаться правильными. Есть риск, что ваши работы пострадают, если вы не сумеете быстро сымпровизировать, и вам все нужно делать по линейке. Для начала, нарисуйте линию горизонта, а затем расходящиеся лучами линии в случайном порядке, далее — просто подрежьте и переходите к наброску.

На рисунке: гибкий, прямой

Вот, например, парочка быстро нарисованных от руки линий, которые помогают мне выровнять плечи и все такое. Когда рисуете людей, возможно, будет полезно в целях выравнивания рисовать «позвоночник».

Линейный набросок

Преувеличивайте — это одна из крутых фишек рисования — вы можете преувеличивать определенные детали, как, например, бедра или грудь. Ха-ха, нет, я серьезно. Это хорошо, когда важные изгибы прорисованы более отчетливо.

Упрощайте — преимущество рисования над фотографией — это упрощение. На фотографии у вас есть много отвлекающих деталей. Когда вы рисуете, вы можете избавиться от объектов, которые не относятся к сцене. Морщинки и небольшие выступы можно исключить, чтобы получить более качественные линии. Частая ошибка, которую я замечаю — кто-то рисует пресс (я имею ввиду мышцы живота) и перекрывает его штриховкой. Лучше оставлять линии, особенно если вы собираетесь работать с цветом, потому что в таком случае контраст между разными цветовыми областями может выполнять функцию линий.

Гармонизируйте — другое определение для этого совета — «плавность». В отличии от того, что я упомянул выше, этот пункт связан с отношениями между деталями, и как линии пересекаются между собой, становясь мощнее и грубее. Попробуйте сделать несколько плавных линий, над которыми вы можете поработать позднее.

Стилизуйте — если вы работаете со стилем, то важно постоянство. Вы можете превращать изгибы в жесткие края, или делать линии размашистыми и похожими на синусоиду. Я предпочитаю комбинацию, в которой я превращаю изгиб в жесткий край в определенный момент.

Толщина линий — не считая некоторых исключений, я не фанат рисунков с линиями одной толщины. Ниже я попытался привести несколько советов о том, как и когда менять толщину линии.

  • Линии толще на теневой стороне, тоньше на стороне света.
  • Чем ближе линии к наблюдателю, тем они толще и наоборот.
  • Линии силуэта толще, линии деталей — тоньше.
  • Легкие материалы изображайте более тонкими линиями.
  • Тонкие линии хорошо смотрятся в детализированных работах.
  • Толстые линии хорошо смотрятся в простых фигурах.
  • Толстые линии хорошо сочетаются с плоскими цветами.
  • Тонкие линии хорошо сочетаются с реалистичным стилем и проработанными объемами.

Также, вам не всегда нужны линии. Иногда, если вы просто намекаете на нее, рисуя ее кончики, глаз дополнит недостающее. В качестве примеров такие места, где кожа как бы сжата, например, губы, ягодицы, грудь и т. д. Неплохой ход — сделать линию немного потолще в области промежутка. Примеры — такие места, где одежда растягивается над мышцами или…чем-то еще.

Наконец, несколько иллюстраций. Первая сделана в Photoshop (5.5) при помощи планшета Wacom, так что о качестве линий говорить не приходится, но, я думаю, идея понятна. Вторая — работа с чернилами, сделанная несколько лет назад.

Примечание переводчика: на рисунке: намек на линию; намек на профиль; скучно; классно!; реалистичные детали; упрощение; угловатость; плавность; слишком много направлений

При рисовании некоторые линии, которые остались от наброска или конструкции могут вам навредить. Вы можете разделять формы чем-то еще кроме черных линий, например, разной яркостью или яркой линией. Вот несколько возможных решений и то, что они передают.

Линейный набросок может перерабатываться несколько раз, и тогда мы будем рисовать поверх них, а они будут постепенно исчезать. Данная иллюстрация не закончена.

Примечание переводчика: на рисунке: жесткая поза; объемы тела; доработка; доработка; доработка; набросок деталей; идеи деталей; краска?

Исследования

Я не проводил исследований несколько лет назад, и я жалею об этом. У вас не выйдут хорошие правильные линии, если вы будете просто гадать и чиркать — а в срисовывании только так далеко вы и сможете зайти. Чтобы работать легко и быстро, надо научиться рисовать, даже не задумываясь о конструкции чего-либо (анатомия, например). Так вы сможете сконцентрироваться именно на рисунке и деталях.

Простраивайте ваши рисунки. Не размахивайте карандашом, переходя от одной детали к другой. Всегда проверяйте основные пропорции, и не увлекайтесь деталями слишком рано. Оставляйте отметки на важных местах. Это будет что-то сигнальных флажков, за которыми вы следуете.

Старайтесь изучать только одну тему единовременно. У вас не получится одновременно жонглировать и бегать стометровку. Если вы хотите освоить новый материал/инструмент, начинайте с рисования чего-то легкого, например, фруктов. Если вы хотите научиться рисовать лица людей, работайте со знакомым вам материалом, чтобы вам не пришлось мучиться и с этим. Если есть несколько вещей, с которыми вы пока не справляетесь, вы попросту не поймете, что именно вы делаете не так. Количество тоже немаловажно. Я бы не порекомендовал, например, изучать анатомию при помощи инструментов для резьбы по дереву.

Линейный рисунок — изучение работы с карандашом не должно быть чем-то большим, чем несколько карандашных набросков на бумаге. Над своими исследованиями я провожу несколько часов, по 10-30 минут на каждый лист (А4). Делаю я это всего несколько раз в месяц, но определенно вижу прогресс. И только представьте, что бы случилось, если бы вы занимались этим несколько раз в неделю годами.

Пара примеров моих исследований. В данном случае источниками были комиксы (изучение поз) и фотографии (изучение лиц).

Работа с цветом — когда я работаю над этой темой, я использую Photoshop и, чаще всего изображение из Интернета. Я дублирую документ, и удаляю все из второго. Затем я начинаю размещать цветовые пятна на их примерные места. После этого я постепенно увеличиваю количество деталей и повышаю точность в цвете или яркости. Когда изображение становится похожим на оригинал, если смотреть с расстояния или прищурив глаза — значит, все готово. Я всегда работаю с кистью настолько большой, насколько возможно для проработки конкретной детали. Я не беру цвета оригинала пипеткой, но окна с изображением и работой у меня всегда одного и того же размера, чтобы я смог увидеть ошибку. Если хотите усложнить задачу, сделайте окна разных размеров, или, например, отразите оригинал, или же вообще рисуйте что-то из жизни.

Изучение статуи:

Первая работа создана в Open Canvas, вторая — в Photoshop.

Рисунок ноги. Тут я старался быть настолько минималистичным, насколько возможно.

Вторая работа — это не совсем исследование, но скорее пример того, как «почистить» работу, что, собственно, не нужно при проведении исследований.

Это работы, срисованные с источника, правда я позволил себе добавить некоторые линии и определенный стиль.

Одно из первых моих исследований.

Что изучать

Изучайте все! Вам необходимо создать в своей голове огромную библиотеку форм и других вещей, дабы рисовать интуитивно. На это потребуется вся жизнь или около того, поэтому начинайте сейчас!

Человеческая анатомия — одна из самых главных тем, в которой вам следует разобраться. Даже у монстров можно заметить кое-что из анатомии человека.

  • Изучаете все тело. Используйте фотографии, книжки по анатомии, статуи или реальных людей.
  • Первым делом мы смотрим на лицо. Если вы ошибетесь всего в одной линии, все выражение лица изменится. Изучайте эту тему по фотографии, глядя на своих друзей или себя.
  • Руки — тоже важная (и сложная) тема.
  • Ноги тоже могут оказаться непростым предметом, не из-за линий, а потому, что вам необходимо поместить своего персонажа на землю так, чтобы не казалось, что он падает, или земля наклонилась.
  • Изучите повседневную одежду. Важно знать, как появляются складки на одежде, что представляют из себя разные виды одежды и как они выглядят на людях.

Жесты и стили — необходимо разнообразие и свежие идеи. Изучать новые стили — идея довольно неплохая.

  • Рисуйте то, что вы видите — своих друзей, людей в кафе, в автобусе, или где-то еще. Как выглядит поза человека, когда он отрывает дверь? Тянется за ключами? Напуган художником? 🙂
  • Marvel. Как художники Marvel изображают человеческое тело при помощи линий? Какие детали важны, а что можно упростить?
  • Modesty Blaise, или еще какой-нибудь стиль комиксов, хоть немного похожий на реалистичный. Создание градиентов только из белого и черного — задача непростая.
  • Манга или стиль, который нравится вам. Вновь задайтесь вопросом, как художник превращает человеческую анатомию в линии и цветовые пятна? Какие параллели вы можете провести между различными стилями?

Среда — помещение персонажа в какую-либо среду действительно его оживляет. Эту тему мне бы следовало хорошенько изучить самому.

  • Пейзажи с полями, горами или чем угодно.
  • Густой лес или джунгли.
  • Городской или индустриальный «пейзаж».
  • Помещения — например, комната с мебелью. Скучно, знаю. Честно говоря, сам еще этого не делал.

Купите книжку про животных — …и порисуйте их. Хороший способ создания монстра — это превратить нескольких животных в одного.

  • Все живые существа. Мать-природа потратила миллионы лет над разработкой всего, что вас окружает, так что лучше бы вам это все изучить.
  • Лошади, коты, собаки, птицы. Эти темы особенно важны, так как мы с ними встречаемся чаще всего.

Механика — нужно попрактиковаться и в этой теме, она пригодится при рисовании роботов или дроидов-уничтожителей.

  • Машины разных моделей.
  • Копающие и работающие машины.
  • Военные транспортные средства.

Статичные предметы из жизни — фактически, все вокруг вас. Хорошая тема, чтобы практиковаться в рисовании в целом из-за простых форм — вам не придется разбираться с формами или сложными текстурами.

  • Фрукты, цветы, скелеты, скульптура, еда, ржавые металлические детали

Самокритика

Анализируйте, что вы делаете не так. Очень легко упустить что-то из виду, когда вы слишком долго смотрите на изображение (что вам, конечно, придется делать в процессе работы). Попробуйте переворачивать рисунок вверх ногами, отражать в зеркале (я использую диск), приближать и отдалять (или отходить самому). Не рассматривайте рисунок слишком близко. В Photoshop вы также можете сделать «Новый вид».

Вам также нужно принять тот факт, что, если вы работали над чем-то в течение длительного времени, это не значит, что работа обладает какой-то ценностью. Нужно быть готовым пожертвовать временем, что вы потратили на рисунок, если он выглядит нехорошо. Даже если вас устраивают детали, возможно, вам необходимо будет их изменить. Иногда проблема не в деталях, а в чем-то с ними связанном, как, например, яркость фона или перспектива другой детали.

В порядке важности

В общем, определенные аспекты рисования более важны, чем другие.

Конструкция — что вы хотите нарисовать? Ваш объект и композиция должны выглядеть хорошо на самом начальном этапе. Если это не так, то никакая обработка это не исправит. Не думайте, что вам удастся спасти работу позднее. Если поза выглядит неправильно уже сейчас, то и в конце она будет выглядит также, даже если бы ее нарисовал сам Рембрандт.

Яркость — чтобы все получилось хорошо, вам необходимо будет использовать яркость для создания форм. При помощи яркости можно объединять и разделять формы.

Пример 1:

В данном рисунке с первой версией явно что-то не так. На каждой форме есть и свет, и тень. Вторая версия уже получше, но там использован всего один тип яркости. В третьей версии разные формы обладают разной яркостью. Может быть, тут проблема в конструкции — картинка не особо интересная, надо сказать.

Пример 2:

Тут и цвет, и яркость использованы для отделения переднего плана и фона, хоть мне и этот рисунок не нравится, тоже проблемы с конструкцией.

Цвет — вы можете немного прогадать с цветом (оттенок и насыщенность), и это сойдет вам с рук. Если с цветами что-то не так, возможно, дело в яркости. Небольшой совет — если вы прошли предыдущие шаги и все ОК, то создать свежие изображения может помочь инструменты, регулирующие цветовой баланс. Однако, по моему опыту, лучшие цвета те, что вы выбрали с самого начала.

Автор: Arne Niklas Jansson

photoshop-master.ru

Рисование: первичные и дополняющие цвета

Работа с цветом – всегда нелегкий этап в художественном процессе, так как понятие цвета – абстрактное. Смешивать краски и получать новые цвета, а также совмещать цвета на холсте в единое целое, что-то подчеркивать, что-то оставлять в тени… Подобный этап бывает пугающим для некоторых художников. Это есть недостатком уверенности в себе, как следствие незнания основных принципов сочетания цветов. Они достаточно просты и подчиняются определенным правилам.

Первичные цвета

Итак, есть три основных цвета в рисовании: желтый, красный и синий. Основные или первичные цвета – это основа всех цветов. Для того, чтобы получить другие цвета или их оттенки, нужно смешивать основные. Мы будем говорить конкретно о живописи, так как, очевидно, что в полиграфии и фотографии свой набор основных цветов.

Цвета на картинке разные по светлоте, в которой яркость на пике. Если их перевести в черно белый формат, то вы отчетливо увидите контраст.

Обратите внимание на колесо основных и дополнительных цветов. В центре треугольника три первичных. Грани – это цвета, которые получатся при смешивании основных. На внешнем круге можно с легкостью увидеть пары дополнительных цветов, они располагаются строго напротив. В случае с основными цветами верхушка первичного треугольника располагается напротив одного из треугольников, образованного при смешении основных цветов.

Дополняющие цвета

Когда вы смотрите на какой-либо цвет, вы не осознаете, что ваши глаза видят ореол дополняющего цвета.

Присмотритесь внимательно к двум квадратам. Они одинакового цвета. Но квадрат слева кажется более синим, поскольку его окружает дополняющий цвет, и оба цвета влияют друг на друга. Когда мы смотрим на квадрат слева, наш глаз воспринимает также оранжевый цвет вокруг него. Второй квадрат выглядит иначе. Если, например, разместить фиолетовый квадрат на синем фоне, цвет тоже будет восприниматься по-другому, так как фиолетовый и синий не есть взаимодополняющими цветами.

Есть 3 основные пары дополняющих цветов. Каждая пара – это 1 основной и 1 дополняющий цвета. Так, для красного дополняющим будет зеленый, для голубого – оранжевый, для желтого – фиолетовый. Такие же связи объединяют пары контрастных цветов: красно-оранжевый будет дополняющим для голубовато-зеленого, голубовато-фиолетовый – для желто-оранжевого и так далее.

Дополняющие цвета и их контраст

Правильно расположив вблизи дополняющие цвета, можно усилить эффект, так как они будут углублять друг друга. Любой цвет будет более насыщенным рядом с другим, чем сам по себе. Для примера, зеленый и синий цвета контрастируют с оранжевым и красным. Эстетичность подобного сочетания зависит еще и от правильных пропорций: если мы будем использовать в одинаковом количестве контрастные цвета, то получится дисгармоничная комбинация, а вот минимальное количество красного на фоне зеленого может смотреться красиво. Впечатляющей будет та картина, на которой контрастные цвета будут одинакового тона и интенсивности. Глаза быстро передвигаются с одного цвета на другой, при этом создается оптическая вибрация, и от этого цвета кажутся ярче.

Смешанность дополняющих цветов

Не стоит использовать чистые дополняющие цвета. Более приятными для глаз будут именно так называемые смешанные дополняющие цвета. То есть разделенные истинным дополняющим цветом. Например, фиолетовый – это истинный дополняющий (контрастный) цвет для желтого, а сине-фиолетовый и красно-фиолетовый являются его смешанными дополняющими цветами.

Если вы имеете дело с контрастными цветами, не забывайте о правилах композиции. В данном случае необходимо, чтобы самый контрастный участок на картине привлекал внимание. То есть нужно следить за тем, чтобы он совпадал с фокальной точкой картины, иначе контраст будет отвлекать зрителя. В случае если картина будет иметь несколько равносильных по контрастности зон, она просто будет сбивать с толку.

Насыщенные цвета будут казаться более яркими рядом с нейтральными цветами. Когда в картине превалируют тусклые тона, создать центр интереса можно добавив мазков чистым цветом. Таким способом вы привлечете взгляд и удержите внимание. Выразительный и яркий объект всегда удачно можно подчеркнуть легкими переходами холодных цветов.

Читайте также:

Правда ли, что рисование продлевает жизнь?

Рисование: 5 мифов, блокирующих ваш прогресс

Основы рисования: всё, что нужно знать о холсте

say-hi.me

цветы Фотографии, картинки, изображения и сток-фотография без роялти

#57092433 — Festive invitation card with beautiful floral border on the white..

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#42524197 — Watercolor greeting card flowers. Handmade.

Вектор

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#46073574 — Floral frame with summer flowers. Floral bouquet with rose, narcissus,..

Вектор

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#40822662 — Row bunch of pink tulips on old gray blue gray wooden background..

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#47943006 — Abstract floral watercolor painting. Hand paint White, Yellow,..

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#57939966 — Phrase Do small things with great love written in calligraphy..

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#49444527 — Watercolor Seamless pattern. Pink flower petal.

Вектор

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#50753496 — Color illustration of flowers in watercolor paintings

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#32704255 — cute floral invitation cards for your design

Вектор

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#42138516 — Greeting card with roses, watercolor, can be used as invitation..

Вектор

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#7815170 — Beautiful Floral Border.Flower design

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

#27491204 — Floral background Roses Watercolor floral bouquet Birthday..

Похожие изображения

Добавить в Лайкбокс

ru.123rf.com

Рисуем портрет одним цветом

Рисуем портрет одним цветом.

Урок рисования этюда головы масляной краской одним цветом.

Об основных понятиях рисования с натуры, о технике выполнения рисунка, о применяемых материалах мы неоднократно рассказывали на уроках живописи и уроках рисования художественной школы New Art Intention. Здесь же мы представляем урок живописи для начинающих — одноцветный рисунок масляной краской. Этот способ работы приближает рисование к живописи. При одинаковости общего принципа изображения головы карандашом и кистью мы наблюдаем разницу в приеме выполнения — отточенный карандаш и сравнительно широкая, плоская кисть по-разному решают форму.

Работа карандашом идет по пути линейных построений формы, постепенно выявляя ее объемную сущность. При работе кистью художник исходит от широких обобщений формы и идет к их детальной обработке. Поэтому рисунок кистью в школе живописи New Art Intention особенно полезен при обучении рисованию ученикам, которые с трудом усваивают объемное рисование, подменяя лепку формы привычной заботой о красивом внешнем штрихе.

Законченность как карандашного рисунка, так и «живописного» состоит не в мелкой прорисовке работы, а в настойчивом стремлении цельно и выразительно передать натуру.

Одно из преимуществ работы кистью — это возможность использовать прием лессировки, которым обычно заканчивается рисунок, выполненный масляной краской. При помощи лессировки на высохшую краску наносятся полупрозрачные или прозрачные красочные слои для того, чтобы обобщить резко проработанные детали и соподчинить неточно взятые светотеневые отношения.

Темную краску для работы лучше брать тепловатого оттенка (например, умбру, вандик). Другие краски (особенно черные) с белилами дают мертвенный холодный оттенок, что не вяжется с теплым тоном лица. В художественной школе New Art Intention на уроках живописи мы стараемся не использовать черный цвет для смешивания с другими красками именно по этой причине. Кроме того, первые этюды выполняются акрилом, который максимально приближен по технике «лепки формы» к масляной живописи. Так как акриловые краски практически сразу высыхают, начинающий рисовать не закапывается в работе, не превращает ее в «кашу». Живопись акрилом имеет один недостаток – она «унылая», т.е. акрил после высыхания теряет цветовую насыщенность.

Цель этого урока живописи — предостеречь начинающих рисовать масляными красками (а правильней сказать писать маслом) от основных ошибок, показать последовательность в освоении и рисовании головы человека.

Начальные сведения о портретной живописи.

Начинающего художника, которого увлекает живопись маслом, в скором времени привлекают довольно сложные сюжеты и задачи, которые он пытается разрешить в своих работах. Ему кажется, что с помощью имеющихся в его этюднике красок можно легко и верно написать портрет своего знакомого или родственника. Он приступает к работе, стараясь предельно точно передать внешний облик портретируемого: подбирает с большим вниманием «телесный» цвет натуры и точнейшим образом старается срисовать черты знакомого человека, но вскоре убеждается, что осуществить свой замысел в художественной форме ему не удается. Вместо реального, объемного изображения головы на холсте вышел всего лишь подкрашенный телесным цветом рисунок. Несмотря на внешнее правдоподобие черт портретируемого, полноценного живописного решения не получилось. Произошло это оттого, что художник не занимался собственно живописью, а раскрашивал свой рисунок, как это делает фотограф, подкрашивая однотонные фотографии.

В живописном решении портрета художник должен изобразить человека таким, каким он видит его в жизни, то есть средствами своего искусства передать сходство и вместе с тем угадать то неповторимое, что составляет психологическую характеристику именно того человека, портрет которого пишет художник.

Из истории мирового изобразительного искусства мы знаем много замечательных образцов портретного жанра.

Всемирной известностью пользуются портреты великих мастеров эпохи Возрождения: Рафаэля, Тициана, Веронезе, Тинторетто и среди них портрет Моны Лизы Джоконды Леонардо да Винчи, который до сих пор привлекает внимание тонкостью живописного исполнения и передачей сложных, едва уловимых душевных переживаний.

О людях своего времени рассказывают нам фламандские художники — Рубенс, Ван-Дейк, голландцы — Ф. Хальс, Рембрандт.

Огромной психологической выразительностью и силой характеристики отличается портрет Иннокентия X работы испанского художника Веласкеса.

Великий русский художник А. А. Иванов, работая над картиной «Явление Христа народу», в поисках наиболее выразительных образов создал целую галерею этюдов мужских и женских голов, отличающихся острой, чисто портретной характеристикой. Особенно выразительна голова Иоанна Крестителя.

Русские художники — Рокотов, Левицкий, Кипренский, Брюллов, Тропинин, Венецианов, Перов, Крамской, Репин, Суриков, Серов, Врубель, Малявин, Нестеров и др.— оставили нам бесценную галерею портретов своих современников. Портретов, дорогих для нас не только как документы и изображения, передающие внешние черты людей прошлых времен, но главным образом как художественные образы, раскрывающие внутреннюю содержательность, силу ума, глубину чувства, благородство, красоту, поэтичность.

Начинающему художнику небезынтересно проанализировать работы крупнейших мастеров, их художественные приемы, средства, помогающие достигать наибольшей выразительности образа. Рассматривая портреты, вы увидите, какое огромное значение имеет здесь характер освещения. Умение передавать свет помогает художнику добиваться реального воспроизведения натуры. Посмотрите, как тонкое ощущение света и умение пользоваться им помогают Рембрандту создавать образы, замечательные по своей психологической характеристике.

Скользя по поверхности формы головы или освещая ее в упор, свет сообщает основному (локальному) цвету головы множество оттенков. Свет, как искусный волшебник, каждый изгиб формы делает не только разнообразным по тону, но и по цвету. Чтобы добиться полного живописного решения портрета, художнику необходимо развить в себе чувство и понимание этих тончайших цветовых градаций, умение из смешивания краски на палитре создавать драгоценные сплавы цвета, которые, точно характеризуя форму модели, помогут создать портрет, полный жизненности и живописной красоты. Необходимо также понимание роли фона, его цветовой и тональной взаимосвязи с головой и фигурой портретируемого.

Приступая к живописи головы, на первых порах не ставьте себе задачей написать портрет. Это будет очень сложно и непосильно, в особенности для начинающего. Портрет для художника — дело сложное и ответственное. Тут нужно видеть больше того, что может дать модель. И у мастеров-портретистов именно так и получалось. Посмотрите, например, в Третьяковской галерее портрет М. Н. Ермоловой работы В. А, Серова. Тут уж не только Мария Николаевна, не только весь ее внешний облик, что, конечно, тоже должно быть передано в портрете, но, вместе с тем, здесь передан и образ великой русской драматической актрисы, то есть, как говорят, внешняя и внутренняя характеристика модели.

Для этого нужен, несомненно, и особый дар, и, вместе с тем, большая практика в работе над портретом.

Поэтому, чтобы научиться рисовать портрет красками, в школе живописи New Art Intention мы проводим ряд уроков по живописи головы, внимательное и серьезное исполнение которых может постепенно подвести к живописи портрета.

Живопись головы одним тоном.

Итак, прежде чем приступить к живописи головы в цвете, начинающему художнику полезно сделать одно или несколько упражнений одним тоном.

Цель этого урока живописи сводится к тому, чтобы научиться передавать форму головы с помощью светотеневых отношений и впоследствии перейти к более сложной задаче — изображению формы головы цветом. Это упражнение является как бы переходным от рисунка к живописи, неся в себе элементы и того и другого.

Живопись формы кистью при помощи краски значительно отличается от передачи этой же формы карандашом на бумаге.

В рисунке изучается форма, анализируется конструкция и условно определяется цветовая характеристика предметов. Освещенность предметов передается тоже условно с помощью так называемого «тонального масштаба». Форма и конструкция в рисунке могут воспро¬изводиться иногда линейно, без фона.

В живописи же кистью форму придется изображать не отдельно — независимо от среды, от фона, а обязательно вместе с тем окружением, в котором находится предмет.

Чтобы написать голову одним тоном, обычно берутся две краски: умбра натуральная и белила. Можно взять умбру жженую и белила или марс коричневый и белила. Не надо брать яркие (красные, зеленые и др.) краски, и, как говорилось ранее, черные краски.

Для выполнения этого урока живописи нужно позаботиться о выборе соответствующей модели. Лучше всего взять мужскую или женскую модель, у которой ясно бы «читалось» анатомическое строение головы. На первых порах не рекомендуется пользоваться в качестве моделей детскими головками, так как конструкция и формы детских лиц читаются труднее — они более мягки, неопределенны.

Фоном для головы в данном упражнении может быть гладкая драпировка спокойного серого или серо-коричневого цвета (например, обычный холст).

Постарайтесь посадить модель так, чтобы форма головы читалась четко, а освещение подчеркивало бы объем и характер форм натуры. Для этого лучше всего осветить голову сбоку и сверху. Легче почувствовать форму и передать ее, если голова освещена таким об¬разом, что светлые места головы (например, лоб) светлее фона, а темные места (например, уходящая вглубь щека) — темнее фона.

Когда модель поставлена, художнику надо подумать о композиционном размещении головы на холсте. Композиция начинается с определения точки зрения (место, с которого художник будет писать свою модель), с выбора размера и формата холста. Размер холста для этюда головы не рекомендуется брать крупным, чтобы у автора не появлялось желания сделать голову больше натуральной величины, так как увеличение всех пропорций головы неизбежно приведет к большим искажениям. Для этюда головы рекомендуется размер холста 30X40 см.

Как дополнительную работу к основным заданиям очень полезно выполнить несколько этюдов черепа. Это приучит начинающего художника «лепить» форму головы кистью. Лучше всего делать такие этюды одним тоном (умброй с белилами), чтобы не увлечься живописными решениями и не уклониться от основной задачи — лепки формы черепа кистью и уяснения его конструкции.

Прежде чем начать писать голову, ее сначала нужно нарисовать на холсте. При этом особое внимание следует уделить построению головы, ее конструкции и наиболее точному определению пропорций деталей. Подробная деталировка и разбор светотеневых характеристик форм головы в рисунке под живопись не обязательны; все это появится позднее, когда кистью будет лепиться конкретно каждая деталь головы. Важно, чтобы рисунок под живопись был основой, выявляющей общую конструкцию головы и ее отдельных форм.

Рисовать голову под живопись лучше всего углем или мягким карандашом, так как им легче намечать и тональное различие и светотеневые отношения. Уголь в отличие от карандаша более «подвижный» материал — он легко смахивается тряпкой, стирается резинкой, поэтому им можно долго работать, не забивая пор холста. Но надо помнить, что при многочисленном употреблении резинки с холста стирается слой грунта и обнажается ткань, отчего краски будут жухнуть. Поэтому старайтесь как можно меньше пользоваться резинкой.

Когда рисунок выполнен, уголь рекомендуется зафиксировать раствором даммарного лака в пинене. Если грунт клеевой, можно сбрызнуть его водой из пульверизатора. Вода растворит часть клея в грунте и достаточно прочно закрепит уголь, чтобы начать писать «по сухому». Работать красками по рисунку, выполненному углем, не закрепив его, не рекомендуется, так как уголь будет кистью размазываться, смешиваться с краской, загрязняя ее. Если рисунок сделан, закреплен и высушен, можно начинать писать. С чего же начать рисовать?

Сначала всмотритесь в натуру, сравните освещенную часть головы с теневой, сопоставьте их с фоном и определите, что самое темное в постановке и что самое светлое. Мысленно анализируя эти крупные отношения, составьте на вашей палитре несколько смесей умбры или марса с белилами для освещенных частей головы (например, лба) и фона.

Составлять смеси для бликов или для самых темных точек (например, ноздрей) не следует, нужно приготовить их для среднего тона света и для среднего тона тени.

Сделав на палитре смеси, возьмите крупные кисти и начинайте с прокладки теневой части головы. С теней начинать целесообразнее потому, что они сразу определят форму головы и дадут некий тональный камертон, а тональное выражение формы является основой цветового решения. Когда вы проложите теневые места, у вас появится необходимость в решении фона, так как без фона трудно угадать на белом холсте теневую часть: она будет казаться излишне темной. После того как проложили фон с одной стороны головы, вам захочется сразу же проложить его и с другой стороны — тогда вы почувствуете пространство за головой и прорисуете голову еще более объемно. Теперь прокладывайте световую часть головы, сравнивая ее с теневой частью и с фоном. Делайте это смело и свободно, не останавливаясь надолго над отдельными деталями.

Краску для первой прописки берите не густую, чтобы она не мешала следующим, более пастозным пропискам, но старайтесь с первой же прописки возможно точнее передать освещенность головы, ее положение в пространстве. Во время работы над этюдом советуем не совсем удавшиеся места и участки, перегруженные краской, снимать мастихином. Если не удался мазок, если он не выражает формы или не передает цвет, его надо снять мастихином и снова добиваться более точной передачи данного куска натуры.

Когда вам удалось определить теневую часть головы по отношению к освещенной части, выявить конструкцию головы и ее характер, можно переходить к конкретизации и уточнению формы.

Передача деталей и уточнение общей формы головы составляют задачу второго этапа урока живописи. Но, переходя к деталям лица, следите за тем, чтобы они смотрелись не отдельно от общего строения головы, а органично и слаженно показывали бы ее конструкцию.

Перейдя к деталям, вам, естественно, трудно будет работать теми крупными кистями, которыми вы вначале прокладывали голову. Тогда берите кисти помельче, стараясь опять лепить форму кистью.

Из опыта над рисованием карандашом головы вы уже знаете, что форму надо понимать как объем, отграниченный от окружающего пространства многочисленными плоскостями. Каждая из этих плоскостей освещается по-разному и по-разному характеризует форму. Чтобы вос¬произвести реальную форму кистью, каждый мазок, положенный вами, должен показывать определенную плоскость формы, ту или иную ее грань. Для передачи постепенного перехода одной плоскости формы в другую, нет надобности стушевывать границу этих плоскостей, а нужно найти еще более мелкие членения.

Когда перейдете к глазам, не стремитесь прорисовывать мелкой кистью веки, а определите сначала верным тоном глазничные впадины, сверяясь с теми местами головы, которые вами уже взяты. Только тогда, когда найдено место и характер глазных впадин, приступайте к самим глазам. Начиная один глаз, сразу же пишите и второй, все время заботясь об их правильном построении.

Губы тоже не прочерчивайте одной линией, а лепите их форму. Губы имеют свой объем, а следовательно, и плоскости и грани плоскостей. Поэтому их тоже надо лепить кистью по форме, находя, где они четко и резко очерчиваются, а где моделируются мягко. Посмотрите, как написаны губы в портрете П. А. Стрепетовой работы И. Е. Репина.

Теперь, когда формы отдельных деталей изучены и нарисованы в соответствии с общей формой головы, надо внимательно посмотреть, не утерялось ли целостное восприятие натуры.

Увлекаясь деталями головы, можно невольно забыть о целостности натуры: отдельные детали, сами по себе выполненные неплохо, оказываются разобщенными, пропадает связь между ними. Художник сам скоро убеждается в этом. Он замечает, что, несмотря на появление детальной проработки, голова стала менее похожа, что объем головы чувствуется меньше, что в построении головы тоже есть ошибки. Этюд стал более дробным, какие-то блики лезут, а некоторые теневые места настолько темны, что кажутся пустыми, как бы провалившимися.

Все эти недостатки появились оттого, что у художника притупился взгляд, работа над деталями головы отвлекла автора от целостного видения.

Чтобы избежать подобных ошибок, художник должен помнить, что, работая над деталью, надо все время следить за общим, неустанно проводя сравнения. Деталь тогда хороша, когда она гармонирует с другими деталями и не мешает общему.

В школе живописи New Art Intention очень часты в обращении такие слова: «целостное восприятие натуры», «цельно видеть», «смотреть общее».

Здесь идет речь о развитии одного из ценнейших и неотъемлемых качеств художника — о «постановке глаза», развитии умения видеть натуру целостно.

Вы пишете или рисуете голову, намечаете общую форму, начинаете работать над деталями, допустим, начинаете писать нос. Внимательно смотрите на него и старайтесь передать его цвет и форму. Нос имеет свои грани света, полутени, тени, свои оттенки цвета. И вот тут-то и подстерегает начинающего художника опасность: он «уперся» взглядом в нос, забыл, что нос — это только деталь обшей формы головы, утратил цельное видение, и в результате — деталь написана или нарисована отдельно. И если отдельно будет отработана каждая деталь, впечатление цельного, общего будет нарушено.

Как же быть, как писать, чтобы, рисуя детали, не разрушить передачу общего?

Нужно смотреть на ту или иную деталь, но одновременно видеть и всю форму, не выпуская ее из поля вашего зрения.

Это не так просто, как кажется, и такое именно целостное видение достигается путем известного напряжения и, прежде всего, желанием воспитать в себе это необходимое художнику качество видения натуры. Тут уж нужно постоянно следить за собой: чуть увлек¬лись отделкой детали — сейчас же «расширяйте» свой взгляд, охватывайте взглядом всю модель, тогда и деталь найдет свой настоящий вид в связи с общей формой, на которой она находится.

Для исправления погрешностей, которые вы заметили в своей работе, надо заняться обобщением этюда. В этом состоит третий этап урока живописи, когда вы смело, свободно, широкой кистью снова перепишете некоторые места вашего этюда с тем, чтобы вновь восстановить конструкцию головы, исправить те ошибки, которые были допущены, и, насколько возможно, отказаться от ненужных деталей, приведя форму головы к обобщению.

Добейтесь, чтобы самое светлое пятно было в одном месте, самые темные удары тоже не повторялись и тени не смотрелись бы глухими и черными. Для обобщения резко проработанных деталей и соподчинения светотеневых отношений в вашем этюде не обязательно весь этюд переписывать корпусной пастозной краской. Можно использовать прием лессировки, нанося прозрачные и полупрозрачные красочные слои.

После того как вами выполнены несколько этюдов головы одним тоном, вы приобрели опыт лепки формы кистью. Вы теперь не стушевываете краску, а лепите форму мазком, ведете этюд от общего к деталям, научились сохранять общее.

Теперь можно переходить к урокам живописи головы цветом.

multiurok.ru

Картина из трех цветов | Мастер-класс своими руками


Сегодня мы с вами выполним очень простое и невероятно полезное упражнение по цветоведению. Все профессиональные художники не раз проходили через это, и, думаю, никто не пожалел. В художественной школе такое упражнение выполняется на первом году обучения в первой четверти учебного года, в изостудиях часы занятий, посвященные этой теме, одни из самых любимых. Потому что в конце урока красивые работы получаются всегда и у всех, независимо от возраста учащихся.
Цель занятия: на собственном опыте убедиться, что имея под рукой всего лишь три баночки краски, можно получить десятки новых оттенков. Даже не будучи профессиональным художником, вы сможете создавать красивые, гармоничные вещи не только в качестве рисунков. Любое творчество, в котором используется цвет, будь то вышивание, вязание, бисероплетение, скрапбукинг, изготовление украшений из полимерного пластика или что-то еще другое, только выигрывает, если мастер интересуется цветоведением.
Для начала вспоминаем о трех основных цветах. Считается, что есть три основных цвета: красный, желтый и синий. А все остальные цвета получаются путем смешивания трех основных, в результате чего получается цветовой спектр. Все цвета спектра называются хроматическими. Это слово произошло от греческого «хромос», что в переводе означает цвет. Есть еще ахроматические (бесцветные) цвета, это черный, белый и серый.

Сегодня мы будем при помощи черного и белого изменять один из трех основных цветов – красный. Получившиеся новые оттенки пригодятся для создания красивой картинки.
Для упражнения понадобится художественная гуашь красного, черного и белого цветов, пластиковая палитра, лист плотной бумаги А3 или А4 формата, простой карандаш, линейка. Сначала расчерчиваем таблицу. По ширине примерно 5 делений, по высоте тоже 5 – смотря, сколько оттенков вы желаете получить.

Правый нижний прямоугольник закрашиваем черной гуашью, левый нижний – красной гуашью.

Теперь выполняем постепенный переход от красного к черному цвету. На палитру кладем красную гуашь, подмешиваем в нее немного черной гуаши, получаем новый оттенок, добавляем его в таблицу, далее еще больше черного цвета, снова добавляем и еще раз добавляем черного, затем вносим в таблицу. Нижний ряд готов. Это красный цвет, черный цвет и между ними три новых оттенка красного цвета.

Следующий этап. К каждому цвету из нижнего ряда нужно постепенно добавлять белую гуашь, чтобы получился второй ряд оттенков. Затем добавляем еще белил, получаем следующий, еще более светлый ряд. Продолжаем так до самого верха таблицы. Смысл этого упражнения в том, что растягивая красный цвет по направлению к черному и белому, мы получаем новые вариации красного. Ахроматические цвета белый и черный делают красный цвет приглушенным, вместе с тем усложняют его: белый цвет делает красный более нежным, пастельным, а черный — утяжеляет. Вот как выглядит законченное упражнение, выполненное учеником 1 класса художественной школы.

Как только вы почувствовали свое могущество, а по-другому это чувство не назовешь: шутка ли, иметь в своем арсенале всего три баночки краски и создать такую палитру новых цветов! Сейчас вы можете приступать к следующему, более творческому этапу.
Сейчас мы сделаем эскиз росписи декоративной тарелочки. Пользоваться будем тем же сочетанием красок. Примером для нас вновь послужит работа учащегося художественной школы. Рисуем окружность на листе при помощи циркуля. Можно обвести по контуру что-нибудь круглое. Рисуем орнамент в круге. Рядом чертим таблички для цветовой шкалы.

Верхняя левая табличка, состоящая из трех делений нужна для красного, черного и белого цветов. Табличка справа будет заполнена их производными оттенками.

Раскрашиваем наш орнамент, используя в работе только те цвета, которые наметили.

Если упражнения делать не спеша, аккуратно, они могут стать самостоятельным настенным украшением при соответствующем оформлении, конечно. Благодаря этому вы сумеете создать у себя дома творческую студийную атмосферу.

Применяя полученные сегодня навыки, вы можете выполнить более сложную работу, например, натюрморт масляными красками. Здесь тоже для работы было использовано всего три, уже хорошо вам известных цвета – белый, красный и черный.


sdelaysam-svoimirukami.ru

Оставьте комментарий